Adam Clayton, baixista do U2, conversou com Francis Outred, responsável pelo departamento de arte contemporânea e de pós-guerra da casa de leilões Christie's, sobre sua paixão pelo trabalho de Jean-Michel Basquiat - grafiteiro, músico e pintor neo-expressionista morto em 1988 - e como a arte inspira a banda.
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Francis Outred: Quando você se interessou por Jean-Michel Basquiat?
Adam Clayton: Comecei a aprender seriamente sobre ele em 1990 - eu tinha algum tempo e havia mudado para Nova York para explorar o mundo da arte, conhecer galeristas e artistas. Foi logo após sua morte, e havia muita energia em torno de seu trabalho. Ele tinha sido um personagem em Nova York e tinha a mesma idade dos músicos que eu estava interessado, e teria a mesma idade que nós. Havia um grupo de artistas - Basquiat, Keith Haring, e obviamente Warhol era o avô de todo o movimento. A ideia de que esses jovens pintores sem qualquer experiência na galeria pudessem fazer sua marca nas ruas de Nova York - poderia ir para as boates mais badaladas, se misturar com a cultura musical - foi muito emocionante para mim. Era de onde eu vinha - sempre pensei que a música e a arte andavam de mãos dadas.
FO: Você lembra do seu primeiro encontro com este trabalho em particular (o auto-retrato de Basquiat conhecido como "Untitled", que Clayton irá leiloar)?
AC: Estava na Rua 57 na Robert Miller Gallery - eles tinham acabado de assumir a propriedade de Basquiat e estavam olhando pelo inventário. Eu definitivamente respondi ao tipo de trabalho que eu chamaria de "biológico", onde havia um monte de arqueologia no esqueleto e os ossos. Eu já tinha selecionado uma grande pintura que pensei que seria uma grande peça para compartilhar com a banda e ter em nosso estúdio, e nós começamos a olhar através dos trabalhos em papel. Eles eram geralmente muito complexos, com muitas linhas e atividade, e este trabalho se destacou porque tinha uma imagem muito trágica - é claramente um auto-retrato desobstruído, com o que parece uma gota de lágrima vindo do olho. Parece-me que não se trata apenas de Jean-Michel - trata-se de ser afro-americano.
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FO: A escala do trabalho, e o fato de que ele passou e viveu por tanto tempo no estúdio de Basquiat, torna muito especial. Estou interessado sobre pendurar a pintura em seu estúdio - você e os membros da banda partilharam uma paixão por Basquiat?
AC: Em Nova York e na cultura musical, essa mudança aconteceu em direção a uma música muito mais orientada para a dança. Foram os primeiros dias do rap e hip hop, que foi um momento muito emocionante porque tinha uma energia real, e também indicou - finalmente - que a voz afro-americana dentro da música tinha uma identidade muito forte própria. Na época, as pessoas estavam falando de Jean-Michel como sendo o Jimi Hendrix da pintura e eu acho que é verdade - ele era um artista afro-americano em um mar de artistas brancos, mas fazendo algo muito diferente e extremamente seu.
FO: Obviamente, sua música transformou muito neste momento - Achtung Baby foi realmente um grande avanço e bastante uma transição de Joshua Tree...
AC: Com Joshua Tree estávamos olhando para a música dos Estados Unidos e tentando reinventar a forma, e ao mesmo tempo abordando o lado mais sombrio do que estava acontecendo na América. Com o Achtung Baby, que veio alguns anos depois, estávamos pensando em um som diferente e a tecnologia nesse ponto significava que você poderia adicionar mais sons de computador - você poderia samplear sons e gerá-los. Tudo isso acontecia dentro da cultura de club, então parecia que estávamos todos trabalhando na mesma paleta.
FO: Você acha que viver em Nova York mudou sua percepção do trabalho de Basquiat?
AC: Foi um grande momento para estar em Nova York como um jovem criativo, porque tudo era possível naquele momento. Havia clubs underground, o sistema de galeria não existia no centro da maneira que é agora, e se você fosse um artista você estava praticamente livre. Não havia um sistema de que você tivesse que fazer parte para ter acesso a colecionadores, e acho que isso era muito parte de Jean-Michel. É também parte de jovens artistas; Eles não querem trabalhar o sistema tanto - eles realmente só querem fazer o trabalho. Foram os primeiros dias do que o mundo da arte estava prestes a se tornar.
FO: Quando olho para este trabalho, os braços me lembram de flechas entrando no corpo - é quase como se ele estivesse retratando-se como uma vítima. Este é um retrato de Basquiat tendo apenas explodido para a cena de arte em 1982, e possivelmente sentindo as repercussões deste novo mundo. Vocês, como músicos, que tinham um crescimento semelhante, achavam esse tipo de exposição preocupante, ou estavam mais preparados para isso?
AC: Acho que se você está preparado ou não, você entende que a ideia é conseguir que seu trabalho alcance o maior número de pessoas possível, porque você quer compartilhá-lo. Acho que o mundo da arte funciona um pouco diferente, em que você deseja levá-lo a um número influente de pessoas e você quer entrar em museus, então você tem um relacionamento diferente com ele - acho que temos dois objetivos separados. Você está certo sobre as setas neste trabalho - é uma das poucas imagens genuinamente rígidas que ele nunca produziu de si mesmo, sem acrescentar nada mais para ele. É um desenho incrivelmente disciplinado, mas é isso que o torna tão poderoso. Ele se representa com a coroa em muitas de suas obras, mas este quadro tem um pathos e, de certa forma, é um antídoto para todo o ruído em torno de seu trabalho e toda a atenção que tem tido ao longo dos anos. Isso o traz de volta ao artista e sua dificuldade de se encaixar nesse mundo.
FO: É verdade, muitos de seus auto-retratos são muito confiantes - com os braços levantados, poderosos e atléticos - e aqui você tem o oposto direto: uma figura frágil que está chegando a um novo tipo de normalidade. Como você vê a relação entre as pinturas e os desenhos?
AC: Os desenhos foram onde ele trabalhou ideias - um monte de imagens migrar para as pinturas, mas acho que os desenhos são uma conexão direta com ele. Você pode imaginá-lo com um óleo ou um pedaço de carvão trabalhando em um pedaço de papel durante horas - você pode ver essa concentração.
FO: Este foi um momento de grande sucesso em sua carreira. Como esse trabalho se encaixa nessa história?
AC: Meu antídoto para estar na estrada ou no estúdio de gravação sempre foi a oportunidade de sair e ver obras de arte. É um ambiente muito mais meditativo para mim, então quando vejo trabalhos que realmente falam comigo gosto de adquiri-los se puder. Ao trazê-los para a minha casa, eles se tornam algo que eu tenho um relacionamento direto. E isso era muito verdadeiro neste desenho em particular. Estar em Nova York certamente marcou o início da minha capacidade de entender e seguir a arte contemporânea, e segui com isso.
